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Linha de televisão no horário nobre de 1965 - História

Linha de televisão no horário nobre de 1965 - História


Programas de TV dos anos 1970: o que as pessoas assistiam?

A televisão na década de 1970 levou o que era considerado aceitável a novos limites. Muitos dos programas lançados desafiaram a intolerância, zombando dela.

No entanto, se você não era daquela época, eles simplesmente parecem ofensivos às vezes.

Por causa dessa ofensiva, a FCC recebeu um número recorde de reclamações dos telespectadores. Eles pressionaram o governo a fazer algo. Eles não apenas baniram os anúncios de cigarros (o que é uma coisa boa), mas também fizeram novas restrições à violência.

A televisão entrou em uma nova era de franqueza. Sua programação ousada de humor étnico e temas tabus “adultos” finalmente começou a espelhar a permissividade crescente da sociedade, embora fosse apenas um reflexo pálido do espírito vale-tudo dos filmes.

A tendência foi lançada por “All in the Family”, uma série de comédia de situação que ridiculariza o preconceito e ousa ser engraçada sobre tópicos delicados como homossexualidade, impotência e menopausa.

Compartilhe seu amor pelos programas de TV dos anos 1970: o que as pessoas assistiam?

O formato "Família" foi adaptado com sucesso por três novas comédias que estavam no top 10. Eles eram "Sanford and Son", estrelado por Redd Foxx como um homem de ferro-velho negro fanático & # 8220Maude, "com Beatrice Arthur como uma falsa liberal radical chique e “Bridget Loves Bernie”, que envolveu um casamento “misto” e parentes judeus católicos.

Um antigo favorito estava programado para sair do ar. Causando o coração partido de muitos, a NBC anunciou em novembro que "Bonanza" sairia do ar em janeiro de 1973.

Os filmes, exibidos no horário nobre da rede sete noites por semana, eram maiores do que nunca. Love Story, com a maior parte de suas imagens sensuais intactas, obteve uma classificação Nielsen de 42,3 em 1º de outubro, tornando-se (na época) o filme com maior audiência na TV de todos os tempos.

Continue lendo abaixo para obter detalhes sobre cada ano, de 1970 a 1979, listando os programas de televisão mais populares da década de 1970.


Década de 1960

Apesar da mudança de atitude em relação ao meio, em 1960 não havia dúvida de que a televisão era o meio de massa dominante nos Estados Unidos. Naquele ano, o uso diário médio do rádio doméstico caiu para menos de duas horas de TV, por outro lado, subiu para mais de cinco horas por dia e continuaria a aumentar anualmente. Entre 1960 e 1965, o número médio de horas diárias de exibição aumentou 23 minutos por casa com TV, o maior salto em qualquer período de cinco anos desde 1950. Nas salas de cinema, a frequência semanal caiu de 44 milhões em 1965 para 17,5 milhões pelo final da década.


História do Futebol na Televisão

A NFL passou por mudanças nos últimos 55 anos. A televisão é um deles. Na década de 1950, o futebol não era um esporte popular. ABC, NBC e CBS transmitiam beisebol pela televisão nas tardes de sábado. Era um ritual semanal para o beisebol ter um jogo na televisão todas as semanas. Na NFL, havia talvez 1 jogo durante o dia e talvez 1 jogo à noite. Em 1956, a CBS decidiu levar os jogos aos mercados locais todos os domingos.

A NBC transmitiu alguns jogos nas tardes de domingo durante a década de 1950, mas não como o que fazia na década de 1960. A NBC transmitiu o jogo do campeonato de 1958 da NFL. Por que esse jogo é tão especial? O Baltimore Colts venceu o NY Giants no Yankee Stadium por 23-17 no OT. Foi a única vez que um jogo do campeonato teve morte súbita. Colts venceu o Giants quando Johnny Unitas entregou a bola para Alan Ameche para marcar o touchdown da vitória.

Na década de 1960, a AFL foi organizada. ABC transmitiu os jogos AFL 1960-1964. A CBS transmitiu os jogos da NFL entre 1960-1969. ABC transmitiu os jogos do campeonato AFL 1960-1964. A NBC então começou a transmitir os jogos da AFL em 1965. No primeiro jogo do Super Bowl, em 15 de janeiro de 1967, a CBS e a NBC transmitiram o jogo pela televisão. Foi a única vez que as duas redes transmitiram o mesmo jogo ao vivo. Em 1964, a CBS experimentou o formato "meio a meio". Nesse caso, a primeira parte foi transmitida pelos locutores da equipa da casa, a segunda parte foi transmitida pelos locutores da equipa visitante. Não durou muito.

Em 25 de novembro de 1965, dia de Ação de Graças, a CBS transmitiu seu primeiro jogo da NFL em cores. Foi o Lions vs Colts. Eles também transmitiram em cores, na mesma temporada, o jogo do playoff entre os Colts x Packers e, uma semana depois, o jogo do campeonato da NFL entre os Browns x Packers. Em 1968, todos os jogos da CBS eram televisionados em cores. A NBC seguiu o exemplo com os jogos AFL.

O comissário da NFL, Pete Rozelle, queria ter um jogo de futebol durante a noite da semana. A CBS e a NBC a princípio não tiveram interesse em fazê-lo. Em 1966 e 1967, a CBS transmitiu um jogo na noite de segunda-feira. A NBC fez o mesmo pela AFL em 1968 e 1969. O futebol de segunda à noite, como é hoje, começou em 1970. O ABC voltou e fez esse curso. Pete Rozelle perguntou à NBC e à CBS se elas queriam transmitir na segunda à noite como um programa semanal. Ambas as redes se recusaram a aceitar o acordo e mantiveram os jogos da tarde de domingo. ABC decidiu aderir à licitação.

Quando a AFL e a NFL se fundiram em 1970, a CBS e a NBC ainda carregavam os jogos. A CBS carregaria os jogos da NFC, enquanto a NBC carregaria os jogos da AFC. Isso continuou até a temporada de 1993. Em 1994, a FOX assumiu os jogos da NFC e deixou a CBS de fora.


ESPN estreou em 1979, eles foram a primeira grande rede a cabo a transmitir todos os 4 esportes. Em 1987, a ESPN começou a transmitir futebol nas noites de domingo. Foi uma grande coisa para a ESPN, porque eles nunca transmitiram futebol americano da NFL e ainda não haviam transmitido beisebol pela televisão. Eles ainda estavam fazendo seu nome. A ESPN também foi quem mudou a forma como o Draft da NFL é percebido. Com a ESPN transmitindo o draft, tornou o futebol mais popular. No início dos anos 90, a ESPN e a TNT transmitiram futebol na noite de domingo. Depois que a ESPN obteve a Liga Principal de Beisebol em 1990, eles tiveram que transmitir beisebol nas noites de domingo durante a primeira metade da temporada da NFL. Quando a temporada regular terminou no beisebol, a ESPN transmitiu os jogos da NFL até o final da temporada.

Em 1997, a NBC estava em seu último ano de contrato. Eles pensaram que iriam transmitir a NFL pelos próximos 10 anos, mas isso não aconteceu. Em 1998, a CBS venceu a licitação e transmitiu os jogos da AFC pela televisão, deixando a NBC de fora. A CBS ainda carrega os jogos da AFC, depois de 5 anos sem futebol. A FOX ainda está forte por 18 anos, e eles parecem que não serão domados. Em 2005, a ABC disse adeus ao Monday Night Football. Depois de ser a primeira emissora a fazê-lo, eles pararam de transmitir futebol pela televisão após a temporada de 2005. A NBC voltou e assumiu os jogos da noite de domingo em 2006. A NBC venceu uma licitação para ingressar na NFL depois de ficar 9 anos fora do futebol. A ESPN então fez os jogos da noite de segunda-feira.

A NFL Network estreou em 2003. Eles começaram a transmitir futebol da NFL nas noites de quinta-feira em 2006. A NFL Network transmite 8 jogos durante a temporada. Eles começam no Dia de Ação de Graças e continuam até o fim da temporada. Às vezes, eles transmitiam os jogos aos sábados. A rede NFL está na antena parabólica direta. Algumas pessoas podem obter a rede NFL por meio de seu provedor de cabo sem fio. A NFL Network também transmite jogos da pré-temporada.

A NFL viu tantas mudanças na televisão nas últimas 5 décadas. Eles ganharam muito dinheiro com a receita da TV e ajudaram muito a NFL. Sem a NBC, ABC, CBS, ESPN, FOX e NFL Network, a NFL não duraria tanto quanto durou. Por muitos anos, o beisebol foi o esporte mais popular. Quando jogadores como Jerry Rice, Deion Sanders, Emmitt Smith, Steve Young, Brett Favre e Peyton Manning entraram no ringue, isso mudou a dinâmica do jogo de futebol. Certos jogadores como Bart Starr, Paul Hornung, Johnny Unitas, Joe Namath, Jim Brown e Otto Graham eram grandes jogadores nos anos 50 - 60, mas não como os jogadores de hoje.


Linha de televisão no horário nobre de 1965 - História

CARDÁPIO

Um olhar sobre as sitcoms e séries mais inovadoras da televisão durante a década de 1950 até os dias atuais.

O Movimento pelos Direitos Civis foi uma luta para que os negros ganhassem direitos iguais perante a lei federal. No entanto, o movimento foi mais do que uma plataforma de justiça social, ele também quebrou barreiras para os negros na indústria do entretenimento e da televisão. Embora a escravidão tenha sido abolida, a discriminação e o racismo ainda existiam, especialmente na televisão convencional. Os negros continuaram a retratar papéis de servos em filmes convencionais e fazer caricaturas racistas. Esta semana, o Los Angeles Sentinel celebra o mês da História Negra e a cultura negra, dando uma olhada na evolução da televisão e seriados afro-americanos.

& # 8220Amos n ’Andy & # 8221: Tim Moore, top, interpretando o malandro, mas simpático Kingfish, Spencer Williams, embaixo à esquerda, como o crédulo e romanticamente envolvido Andy, e Alvin Childress como o caseiro e lógico Amos estão de volta com o lançamento de 20 episódios de & # 8220The Amos & # 8216n & # 8217 Andy Show & # 8221 em videocassete. A mudança contribuiu para uma reavaliação da série e seu lugar na cultura popular. O programa da CBS de 1951-53 foi alvo de protestos determinados da NAACP e tem estado virtualmente invisível desde que foi retirado da distribuição em 1966. (foto cortesia: AP Photo)

Amos ‘n’ Andy (1951-1953)

Em 1951, o show de comédia “Amos‘ n ’Andy” chegou às telas. O programa era centrado nos esquemas de enriquecimento do Kingfish, que geralmente envolviam enganar seus irmãos. Muitos espectadores descobriram que o programa ignorava os problemas da vida real que os negros enfrentavam, retratava uma ideia imprecisa da classe média negra e perpetuava estereótipos degradantes. Por outro lado, alguns argumentaram que o programa fornecia empregos para atores negros e “normalizou a vida negra”.

Pouco depois de o programa ir ao ar, as classificações da Nielsen classificaram “Amos‘ n ’Andy” em 13º lugar. Assim que a NAACP percebeu as classificações, a associação iniciou um boicote à sua patrocinadora Blatz Beer. Em abril, a Blatz Beer retirou o patrocínio. No entanto, a CBS continuou a distribuição da série mais de quatro vezes. Na verdade, o programa permaneceu em distribuição por 13 anos depois de ser retirado da programação da rede.

& # 8220I Espião & # 8221: O comediante Bill Cosby ao lado de seu co-estrela, Robert Culp. (foto de cortesia)

I Spy (1965-1968)

Quem se lembra do programa “I Spy” estrelado por Robert Culp e Bill Cosby? A série de televisão dos anos 1960 era sobre dois agentes de inteligência se passando por um profissional de tênis e seu treinador em missões secretas ao redor do mundo. Embora “I Spy” tenha sido uma quebra significativa dos estereótipos negros, ele criou um padrão invisível para atores negros no horário nobre da TV. Negros são aceitáveis, desde que façam parceria com co-estrelas brancas.

& # 8220Roots & # 8221: LeVar Burton como Kunta Kinte em uma cena de 1977 & # 8217s & # 8216Roots & # 8217 (foto cortesia: Time Magazine)

Durante a década de 1970, os telespectadores começaram a ver um aumento no número de papéis para atores negros. Além disso, a classe média negra e a influência política começaram a crescer. Em 1977, a minissérie de sete episódios “Roots” se tornou o primeiro grande drama de TV a apresentar um elenco predominantemente negro e abordou a questão do racismo e da escravidão no horário nobre da televisão. “Roots” também foi um dos primeiros de seu tipo a capturar opressões raciais, linchamentos e muito mais em um cenário histórico. A série foi exibida em 85 por cento dos lares nos EUA e ainda hoje é usada em salas de aula ao redor do mundo para iniciar a conversa sobre a história negra e a escravidão.

& # 8220Soul Train & # 8221: Os jovens exibem seus passos de dança no programa de dança favorito da América, "Soul Train" (foto cortesia: Museu Nacional de Música Afro-Americana)

Soul Train (1971-2006)

"Soul Train" apelidado de show de dança favorito da América foi o show mais antigo e inovador de todos os tempos. O show de música e dança, que durou 35 anos, contou com apresentações de artistas de R & ampB, soul, pop e hip hop, além de artistas de funk, jazz, disco e gospel. O apresentador do show, Don Cornelius, que começou sua carreira como um policial beat que se tornou DJ, queria criar um show que teria adolescentes negros dançando os últimos sucessos de músicos negros. Sua inspiração veio após o Movimento dos Direitos Civis. Cornelius acreditava que havia uma necessidade de “Black joy” na televisão e, portanto, “Soul Train” foi criado. A pressão de Cornelius para que o programa fosse ao ar nas redes foi uma luta. Na verdade, ele recebeu muita rejeição. Os críticos afirmaram que o programa seria “difícil de vender para afiliados no Sul”. Embora Cornelius tenha concordado em distribuir o programa, as estações de todo o país não o transmitiram ou "enterraram os episódios" em horários noturnos. Apesar de muitos contratempos, “Soul Train” se tornou um sucesso!

The Jeffersons e Sanford and Son (1970)

The “Jeffersons” (1975-1985) é conhecido como um dos principais sitcoms de todos os tempos. O show retratou uma família negra vivendo o "sonho americano". O programa enfocou os personagens George e Louise Jefferson, que se depararam com uma grande soma de dinheiro. O casal, junto com seu filho Lionel, muda-se do Queens para um apartamento de luxo em Manhattan.

“Sanford and Son” (1972-1977) é uma versão americana do programa britânico “Steptoe and Son”. O show de comédia é amplamente conhecido por ser um modelo de uma comédia afro-americana de sucesso e é sobre as desventuras de um “traficante de lixo rabugento” e seu filho frustrado.

& # 8220Cosby Show & # 8221: O elenco do “Cosby Show” (foto cortesia: Bio.com)

The Cosby Show (1984-1992)

Bill Cosby chegou às telas de televisão no início dos anos 1960 e desde então se tornou um pioneiro na indústria do entretenimento. Em 1984, Cosby ao lado de Phylicia Rashad, Sabrina Lebeauf, Lisa Bonet, Malcolm-Jamal Warner, Tempestt Bledsoe e Keshia Knight Pulliam estrelaram o "Cosby Show". A série de televisão foi uma das primeiras de seu tipo a ter um elenco principalmente negro. O show provou aos pessimistas que você pode ter um elenco totalmente negro e ter sucesso sem se apoiar nos ombros de atores brancos para atrair a audiência. O show de comédia destacou a cultura negra, a história e abordou questões sociais contemporâneas.

& # 8220Mundo diferente & # 8221: O elenco de “A Different World” (foto cortesia: HBCU Buzz)

Um mundo diferente (1987-1993)

O Cosby Show é conhecido por desempenhar um papel proeminente na história negra da televisão, no entanto, o spinoff do programa, "A Different World", era conhecido como um divisor de águas. O programa, “A Different World”, era sobre um grupo de alunos de uma universidade historicamente negra e seus desafios do dia a dia com a sobrevivência da faculdade. Na série, os espectadores veem a personagem de “Cosby Show” Denise Huxtable e seus colegas discutem sérias questões sociais, romance e amizade entre muitos outros tópicos relacionáveis.

A evolução dos atores negros na indústria do entretenimento e da televisão foi um espetáculo para ser visto. Na verdade, a lista de programas inovadores Black é interminável. Atores de cor passaram de interpretar personagens de rosto negro estereotipados e retratando servos para reintroduzir a cultura negra e a história para o mundo. Embora haja espaço para melhorias e mudanças contínuas em Hollywood, devemos parar para aplaudir todos os negros, mulheres e redes que desempenharam um papel na mudança que vemos em programas de televisão modernos como “Martin”, “Everybody Hates Chris , ”“ Black-ish ”,“ Being Mary Jane ”,“ Empire ”,“ Inseguro ”, todas as séries de Tyler Perry e Oprah Winfrey e muito mais.


“Moondog Alan Freed” 1951-1965


Cena de concertos de dança dos anos 1950 com Alan Freed (extrema direita) como DJ e mestre de cerimônias. Capa do CD para a coleção de canções dos anos 1950 dos anos de rádio de Freed. Famous Grove Records / 1997-98. Clique para o CD.

A tarifa normal do dia era principalmente uma mistura de música Big Band, padrões antigos, crooners ao estilo de Frank Sinatra, algumas músicas pop e algumas canções novas. Entre os solteiros No. 1 em 1950, por exemplo, estavam: "I Can Dream, Can't I", das Irmãs Andrews "Chattanooga Shoe Shine Boy", de Red Foley & # 8220Music! Música! Music!, & # 8221 de Teresa Brewer “Mona Lisa” de Nat King Cole e “The Tennessee Waltz, & # 8221 de Patti Page, entre outros.

Mas esse estilo de música - que permaneceria um gênero padrão por anos - estava abrindo espaço para um novo som e um novo tipo de música. E um lugar onde a nova música estava sendo transmitida no rádio era em Cleveland, Ohio, por um disc jockey chamado Alan Freed.

Trabalhando na estação WJW e usando o apelido "Moondog" no ar, Freed em 1951 tocava uma mistura de música rhythm and blues (R & ampB) e música # 8212 tocada e ouvida principalmente por música afro-americana que não era muito tocada no mainstream rádio. Essa era a música que logo seria conhecida como "rock 'n roll" - um nome que Freed mais tarde seria considerado como um avanço, se não uma invenção.


"Moondog" Alan Freed em 1951 na estação de rádio WJW de Cleveland, onde ele chamou a nova música que tocou de "rock 'n roll".

A música R & ampB era também conhecida como "música racial", tocada principalmente na comunidade negra, mas raramente na América branca. A música R & ampB era racialmente segregada, como grande parte da sociedade americana da época. Mas Alan Freed, da WJW em Cleveland, logo começou a usar a música como peça central de suas transmissões. Freed começou seu programa de música R & ampB em julho de 1951 e mais tarde começou a chamá-lo de música "rock 'n roll". Ele também criaria um novo tipo de “conversa de DJ” durante suas transmissões, improvisando e usando parte da linguagem que ouvia nas gravações que estava oferecendo.

“Sim, papai”, ele dizia, “vamos agitar e rolar!” Ele tinha 29 anos na época. Seu show noturno se chamava “The Moondog House” e logo se tornou popular entre as crianças - negras e brancas - de Cleveland, Ohio e além. Na verdade, Alan Freed seria considerado um dos primeiros impulsionadores da música "rock 'n roll" e do início dos negócios de shows de rock. E Cleveland, a cidade onde as transmissões de rock'n roll começaram, mais tarde seria homenageada com o museu Rock and Roll Hall of Fame como uma homenagem a Freed.Mas quando Freed veio para Cleveland no início dos anos 1950, ele não tinha tido a ideia de transmitir música R & amp B.


Anúncio impresso do início da década de 1950 para o programa de rádio de Alan Freed na WJW de Cleveland, patrocinado pelo Record Rendezvous.

Em 1949, Freed mudou-se para a WXEL-TV em Cleveland. Lá, Freed mais tarde conheceria o dono da loja de discos Leo Mintz no início de 1951, que o incentivou a apresentar um programa de música R & ampB na rádio WJW.

Mintz era o dono da Record Rendezvous, uma das maiores lojas de discos de Cleveland, e ele havia notado jovens brancos comprando o que era considerado exclusivamente música negra alguns anos antes.

Mintz acreditava que a música R & amp B era atraente para as crianças brancas por causa de sua batida, e que poderia ser dançada facilmente. Ele também propôs comprar tempo de antena na estação para ajudar a patrocinar o programa R & amp B. O Record Rendevous também apareceria em anúncios impressos promovendo os programas de Freed, conforme ilustrado no anúncio acima, que usa um jargão de rádio para lançar seus slogans de anúncios, como: "Ele gira 'em keed, ele é HEP, aquele Freed!"


O disc jockey Alan Freed mostrado em estúdio com gravação de 45 rpm em mãos para tocar em seu show.

Freed usou uma música instrumental, "Moondog Symphony" como tema de seu show, uma música de um músico de rua de Nova York chamado Louis T. Hardin, que também usava o nome "Moondog". Outros relatam que Freed usou a canção “Blues for Moon Dog” como tema de rádio, uma canção de Todd Rhodes.

Em seu show, Freed mais tarde chamaria a música que tocava de “rock'n roll”, um termo encontrado em toda a música R & ampB. Ele não foi o primeiro a usar o termo, mas se tornou o primeiro DJ a programar música R & ampB para um público muito maior, ajudando a levar o negócio da música em uma direção totalmente nova.

Na época, a WJW era uma estação de canal livre de 50.000 watts poderosa o suficiente para alcançar um mercado gigante em todo o meio-oeste. David Halberstam, descrevendo a ascensão de Freed em seu livro Os anos cinquenta, escreveu:


Cartaz de propaganda de "Moondog Coronation Ball" de Alan Freed, 21 de março de 1952, Cleveland, Ohio.

& # 8220 & # 8230Seu sucesso foi imediato. Era como se toda uma geração de jovens brancos daquela área estivesse esperando que alguém os alcançasse. Para Freed, era o que ele esperava - ele pareceu ganhar vida como uma nova personalidade da moda. Ele era o Moondog, ele mesmo mantinha a batida em sua câmara ao vivo, acrescentando a isso ao acessar uma lista telefônica de Cleveland. Ele se tornou um deles, os filhos, do lado deles e não dos pais, o primeiro adulto que os entendia e o que queriam. Apenas por sua escolha de música, o Moondog ganhou instantaneamente sua confiança. Logo ele estava fazendo shows de rock ao vivo. A resposta foi notável. Ninguém no mundo da música local tinha visto algo parecido antes. Duas ou três mil crianças comprariam ingressos & # 8230todos para artistas dos quais os adultos nunca tinham ouvido falar. ”

Os shows de dança de Freed eram anunciados em seu programa de rádio e ele também apresentava os shows ao vivo, aparecendo como DJ, apresentando atos convidados e tocando discos no local. Em março de 1952, ele promoveu um concerto de dança a ser realizado no Cleveland Arena, que ele chamou de “Moondog Coronation Ball”, que alguns afirmam ser o primeiro concerto de rock. Uma série de atos de R & amp B ao vivo também foram faturados como parte desse show, incluindo Paul Williams e The Hucklebuckers, Tiny Grims e The Rockin ’Highlanders, The Dominoes, Danny Cobb e Varetta Dillard.


21 de março de 1952: Cena no Moondog Coronation Ball na Cleveland Arena, pouco antes de as coisas saírem do controle. Foto: Peter Hastings / Cleveland Plain Dealer.

Mais de 20.000 adolescentes compareceram às instalações de hóquei no gelo para 10.000 pessoas. Um tumulto se seguiu quando a multidão invadiu o rinque. A polícia respondeu e o show foi encerrado. Parte do problema foi devido ao fato de que uma segunda noite de entretenimento Moondog Ball foi planejada para acontecer na primeira noite, mas todos os ingressos para ambas as noites foram impressos com a data da primeira noite, 21 de março. De qualquer forma, o motim resultante virou assunto na cidade, já que a comunidade ficou indignada. Mas o incidente apenas aumentou a visibilidade de Freed e seu programa de rádio, tornando-se mais popular entre os adolescentes.


Agosto de 1954. Anúncio impresso para o grande show de revista R & ampB em Cleveland, com Alan Freed como apresentador.

“Estamos em 1953 e Alan Freed está no ar novamente para seu programa noturno Moondog Show na WJW & # 8230 Freed ganindo, gemendo e zurrando, se preparando para outra noite apresentando o show de rhythm & amp blues mais quente do país. Calçando uma luva de golfe, ele bate na lista telefônica no ritmo da música - talvez "Money Honey", dos Drifters, ou "Shake a Hand", de Faye Adams & # 8230 [H] e, reproduz os sucessos e continua seu discurso maníaco ao longo da noite, vomitando jive rimado com a velocidade e os movimentos de um Holy Roller nos Portões Perolados. ”

Em 1953, quando “The Biggest Rhythm and Blues Show” (dirigido pela Gale Theatrical Agency) veio a Cleveland em turnê naquele verão, Freed foi o mestre de cerimônias apresentado. Em 17 de julho de 1953, milhares compareceram ao show no Cleveland Arena, que também contou com a participação da estrela do boxe e celebridade Joe Louis para uma breve aparição, bem como uma lista completa de artistas, incluindo: Ruth Brown, Wynonie Harris, Leonard Reed, as sapateadas Edwards Sisters, Dusty Fletcher, Stuffy Bryant e a Buddy Johnson Orchestra. Essa turnê atraiu um público predominantemente negro e se tornou a maior revista de R & ampB de sua época. Em 1954, uma turnê semelhante aconteceu novamente em Cleveland em agosto, com Freed comandando o show também.

Essas revistas de R & ampB e os shows e danças do próprio Freed atraíram dezenas de milhares de adolescentes, negros e brancos. As transmissões de Freed da WJW em Cleveland, entretanto, estavam sendo captadas por algumas estações de rádio no leste, em Newark, New Jersey, estação WNJR, por exemplo, onde o programa encontrou um público receptivo. As transmissões de Freed estavam sendo captadas por estações de rádio no Oriente, e seu estilo no ar agora estava se espalhando para outros DJs que tocavam uma mistura semelhante de música. O estilo de rádio no ar de Freed também se espalhou para outros DJs, que tocaram uma mistura semelhante de música. E no início e meados da década de 1950, a nova música rock 'n roll também estava sendo ouvida em pequenos rádios transistorizados de mão, vendendo então por US $ 25 a US $ 50.

Em maio de 1954, Freed viajou para Newark, New Jersey, onde realizou o & # 8220Eastern Moondog Coronation Ball ”no Sussex Avenue Armory em Newark. Foi a primeira aparição pessoal de Freed na área de Nova York. Entre os artistas de R & ampB que apareceram estavam: Buddy Johnson e sua orquestra e vocalista Ella Johnson The Clovers, um quarteto vocal Roost Bonnemera e sua Mambo Band Nolan Lewis, a estrela da gravação de Mercury Sam Butera, o saxofonista de jazz Muddy Waters, o guitarrista de blues Harptones e Charles Brown. Uma multidão de cerca de 11.000 apareceu para o show de Freed em Newark. RCA Victor gravou o show inteiro para uso em um álbum especial do Moondog. Nosso mundo a revista também cobriu o evento em uma história ilustrada.


Em setembro de 1954, Alan Freed se mudaria da WJW em Cleveland, Ohio para a WINS na cidade de Nova York.


Janeiro de 1955: anúncio da revista "Billboard" para os programas de Alan Freed na rádio WINS, Nova York.

Em setembro de 1954, Freed foi contratado pela rádio WINS de Nova York. Lá, ele receberia um salário de US $ 75.000 por ano mais uma porcentagem de distribuição, já que mais de 40 estações de rádio se inscreveriam para transmitir simultaneamente ou retransmitir seu programa. A “Rock’ n Roll Party # 1 & # 8243 de Freed foi transmitida de segunda a sábado, das 19h às 21h. intervalo de tempo. Outro show noturno, “Rock’ n Roll Party # 2 ”, foi transmitido de segunda a quinta-feira no horário das 23h00 às 13h00 e sextas e sábados, das 23h00 às 14h00.

Os shows de dança ao vivo de Freed, por sua vez, logo se tornaram sensações de Nova York. Em 14 e 15 de janeiro de 1955, ele realizou uma dança marcante no St Nicholas Ballroom em Manhattan, promovendo artistas negros como artistas de rock 'n roll. Cada noite foi lotada, com cerca de 12.000 lotando o salão. O preço pago para as duas noites era de US $ 27.500, um bom dinheiro naquela época. Entre os artistas estavam Joe Turner e Fats Domino.

Freed também se tornou conhecido por seus shows em Nova York nos teatros Paramount do Brooklyn e de Nova York. Em um dos shows da Paramount de Freed no Brooklyn em setembro de 1955, chamado de "Festa do Rock 'n' Roll do primeiro aniversário", ele quebrou o recorde bruto de arrecadação de todos os tempos para os cinemas Paramount do Brooklyn e de Nova York com um portão de $ 178.000 (por um corrida de oito dias). Isso superou o recorde anterior estabelecido pela equipe de comédia Dean Martin-Jerry Lewis alguns anos antes, quando eles alcançaram a marca de US $ 147.000 na Paramount de Nova York. Entre os que se apresentaram neste show estavam: Red Prysock e sua banda, The Cardinals, The Rythmettes, Nappy Brown, The Four Voices, The Harptones, Chuck Berry (fazendo “Maybellene”), os Nutmegs, Al Hibber, Lillian Briggs e outros.

Escreveu um Caixa de dinheiro repórter que cobriu o show:


1950: a tenda elétrica da Paramount do Brooklyn à noite anunciando um show de Alan Freed e as estrelas participantes.

“& # 8230Este crítico passou pela histeria adolescente que existiu de 1936 a 1945, quando as crianças dançavam nos corredores ao som de Benny Goodman, Frank Sinatra, Tommy Dorsey e outros, mas nunca esses olhos viram uma exuberância fanática como o tipo exibido no sensacional programa de rock 'n roll do primeiro aniversário de Alan Freed & # 8230 ”

Em dezembro de 1956, durante um período de oito dias durante o feriado de Natal, Freed apresentou seu "Rock 'n Roll Christmas Show" no Brooklyn Paramount com uma programação que incluía: The Drifters, Fats Domino, Joe Turner e outros. Todos os músicos eram negros, mas pelo menos metade do público que lotava a arena era branco.


Anúncio impresso para um dos programas de Natal de Alan Freed em exibição durante 8 dias na Paramount do Brooklyn, na década de 1950.

Enquanto isso, em casa, o programa de rádio de Freed também influenciava os artistas emergentes dos EUA. Fred Bronson, escrevendo em Os 100 maiores sucessos da Billboard, oferece o seguinte relato de como o programa de Freed teve um impacto na formação de um dos mais bem-sucedidos "grupos de garotas" do final dos anos 1950:

& # 8230Arlene Smith era a líder dos Chantels, e sua inspiração para formar seu grupo feminino foi um homem - ou melhor, um adolescente. “Alan Freed veio ao rádio e tocou Frankie Lymon & amp the Teenagers cantando‘ Why Do Fools Fall in Love ’”, disse Smith a Charlotte Greig em [seu livro] Will You Still Love Me Tomorrow? “Era uma linda voz alta e uma bela música. Então Freed anuncia que Frankie tem apenas 13 anos! Bem, eu tive que sentar. Era um grande mistério como entrar nesse negócio de rádio & # 8230 Parecia tão distante, mas tomei uma decisão consciente de fazer o mesmo.


Cartaz de outubro de 1955 para um show de Alan Freed no Apollo Theatre em Nova York.

Quando Frankie Lymon tocou em um teatro no Bronx, Arlene levou seu grupo para conhecer Richard Barrett, empresário de Lymon. Nos bastidores, os Chantels cantaram uma das canções de Arlene, "The Plea". Barrett gostou deles o suficiente para dizer ao dono da gravadora George Goldner que queria contratá-los. Seu primeiro lançamento foi "He’s Gone" no selo Goldner’s End e alcançou a posição 71. Seu próximo single, "Maybe", foi para o No. 15.

No espaço de cerca de cinco anos, Alan Freed ajudou a mover o som rhythm and blues para uma presença mais proeminente no pop e na música mainstream. No início de 1956, a indústria da música anunciava discos de "rock 'n roll" nos jornais. Uma citação atribuída a Freed em fevereiro de 1956, mostra-o explicando a nova música: “Rock 'n roll é realmente swing com um nome moderno. Tudo começou nas barragens e plantações, incorporou canções folclóricas e apresenta blues e ritmo. É o ritmo que atinge as crianças - elas estão famintas por música que possam dançar, depois de todos aqueles anos de cantores. ” Freed também se tornou um campeão dos adolescentes e seus interesses musicais, e uma espécie de intermediário na luta contra aqueles que queriam banir a música, vendo-a como uma influência na “delinquência juvenil”, um preocupante problema social e político no Tempo.

Em 1957, enquanto trabalhava para o WINS, Freed continuou apresentando suas grandes revistas musicais na área de Nova York e em outros lugares. Em Calgary, Ontário, por exemplo, Freed & # 8217s & # 8220The Biggest Show Of Stars For 1957 & # 8221 jogou no Stampede Corral. Os artistas incluíram Fats Domino, Chuck Berry, Buddy Holly e os Crickets, os Everly Brothers, Paul Anka, Clyde McPhatter, Eddie Cochrane, Buddy Knox, Frankie Lymon, LaVern Baker e The Drifters. Os ingressos custavam apenas US $ 2,50. O show também tocou nas cidades canadenses de Edmonton e Regina nas duas noites seguintes.

Em setembro de 1957, Freed era uma figura popular na indústria da música e durante aquele mês ele organizou uma grande festa da indústria em sua residência “Greycliffe” em Stamford, Connecticut. Entre os executivos de gravadoras que participaram do encontro estavam: Bob Thiele da Coral Records Sam Clark da ABC-Paramount Morris Levy e Joe Kolsky da Roulette Records e Jerry Wexler, Herb Abramson e Ahmet Ertegun da Atlantic. A essa altura, Alan Freed não estava limitando sua exposição à indústria da música via rádio e TV. Ele também estava envolvido em trazer a música rock 'n roll para o cinema.

“Filmes Rock 'n Roll”
1956-1959: Com Alan Freed


Cartaz do filme de 1956, "Rock Around The Clock", anunciado como "O primeiro grande recurso de Rock 'n Roll da tela!" Clique para ver o DVD de 2 filmes.

Essa combinação inicial de rock 'n roll com um filme também chamou a atenção dos promotores de Hollywood & # 8212 e do DJ Alan Freed não estava muito atrás. Mas Hollywood primeiro procurou Freed, vendo-o e sua plataforma de rádio como um veículo de marketing. “& # 8230Deejays fora da cidade estavam pegando tudo o que Freed fazia”, explicou Paul Sherman, que trabalhou com Freed em Nova York. “O que Freed tocou, eles tocaram, o que Freed sensacionalizou, eles exageraram & # 8230” Então Freed concordou em participar de um filme chamado Rock ao redor do relógio. Ao fechar o negócio, Freed a princípio queria dinheiro adiantado, mas foi persuadido a considerar aceitar apenas um pouco de dinheiro adiantado e uma porcentagem da bilheteria. Isso acabou sendo um bom negócio para Freed mais tarde, ou como Paul Sherman lembra: “Eles poderiam ter comprado Freed por US $ 15.000 e, em vez disso, [com o acordo de porcentagem] ele fez uma fortuna”.


Cena de "Rock Around The Clock" com Bill Haley, no centro, camisa xadrez e Alan Freed, canto superior direito. Clique para ver a história de Haley.

Além de Bill Haley, vários artistas aparecem, incluindo os Platters, Tony Martinez e banda, e Freddie Bell and His Bellboys.

O filme também marcou a estreia nas telas de Alan Freed, que interpreta um disc jockey que contrata o grupo Haley em um local que lhes dá a exposição e a percepção de que precisam para avançar.

No ano seguinte, mais dois filmes de rock 'n roll foram feitos envolvendo Freed. Rock, rock, rock, foi um filme em preto e branco com performances de várias estrelas do rock 'n roll, como Chuck Berry, LaVern Baker, Teddy Randazzo, The Moonglows, The Flamingos e The Teenagers com Frankie Lymon como vocalista. O enredo do filme tem a adolescente Dori Graham, interpretada por Tuesday Weld, de 13 anos, que não consegue convencer seu pai a comprar um vestido sem alças para o baile e tem que encontrar o dinheiro para ela mesma a tempo para o grande baile. A voz de Dori para suas canções não era a de Tuesday Weld, mas a da cantora Connie Francis. David Winters, que mais tarde apareceria em West Side Story, também está no filme. E Valerie Harper, mais tarde de Rhoda Fama na TV de um Show de Mary Tyler Moore spin off, fez sua estreia no cinema na cena do baile de Rock, rock, rock.

Outro filme do mesmo gênero que também saiu em 1957, Senhor rock and roll, apresenta Freed, boxeador profissional Rocky Graziano e vários artistas musicais, incluindo: Teddy Randazzo, Lionel Hampton, Ferlin Husky, Frankie Lymon, Little Richard, Brook Benton, Chuck Berry, Clyde McPhatter, LaVern Baker e Screamin & # 8217 Jay Hawkins.

“Vá, Johnny Go!”

Ir, Johnny Go! foi um filme de rock 'n roll de 1959 no qual Alan Freed interpretou um caçador de talentos em busca de uma futura estrela do rock' n roll. Co-estrelando no filme estavam Jimmy Clanton, Sandy Stewart, Chuck Berry, Jackie Wilson, Ritchie Valens, Os Cadillacs, Jo-Ann Campbell, Os Flamingos, Harvey Fuqua e outros.

No filme, resumido pela Turner Classic Movies (TCM), Freed interpreta uma espécie de figura paterna hipster tentando dar a jovens talentosos a exposição musical de que precisam para se tornarem bem-sucedidos. Johnny Melody, interpretado por Jimmy Clanton, é o adolescente problemático cuja carreira musical em potencial Freed ajuda a dirigir e salvar.

Neste conto, Clanton / Melody sobe dos trapos à riqueza por meio de um disco de demonstração reproduzido no programa de rádio Freed & # 8217s. Freed interpreta a si mesmo no filme, assim como Chuck Berry. No entanto, o enredo, como a maioria dos filmes deste gênero, é fino e dá uma cara limpa ao rock & # 8216n roll. Ainda assim, ele fornece uma visão da indústria musical incipiente da época e seu hype inicial.


A captura de tela de & quotGo, Johnny Go! & Quot mostra Alan Freed na bateria atrás de Chuck Berry na guitarra.

Ritchie Valens, aos 18 anos, tem uma participação especial como cantora no filme. No entanto, Valens morreria em um acidente de avião junto com Buddy Holly e o Big Bopper em 3 de fevereiro de 1959, vários meses antes do filme ser lançado. Vá, Johnny Go! também marcou a aparição final na tela do artista & # 8220rockabilly & # 8221 Eddie Cochran, que morreu em um acidente automobilístico em 17 de abril de 1960.


Capa do álbum LP da trilha sonora do filme “Go, Johnny Go!” Com 19 músicas do filme, lançado no início de 1959. Clique para acessar o CD.

Enquanto isso, o crítico do TCM notou que o filme & # 8217s & # 8220 crua ficcionalização e imitação terrível & # 8221 encontrou algum valor redentor. Vá, Johnny Go! & # 8220 oferece a única evidência comovente de Ritchie Valens, & # 8221 ele observa, e também inclui & # 8220 um fragmento raro de Eddie Cochran. & # 8221 O filme também mostra os Cadillacs fazendo dois números & # 8220Coasters & # 8221 tem Chuck Berry & # 8220 lutando para ser um cara legal em um & # 8216 papel de ator principal & # 8217. ” Este filme poderia ter sido melhor, ele conclui, se apenas pretendesse ser um filme de concerto ou um documentário. Mas o “fingimento do enredo” tornou tudo muito superficial.

Controvérsia


Em 1957, Alan Freed teve seu próprio programa de dança na ABC-TV por um breve período. Ele é mostrado aqui no centro, com Jackie Wilson, à esquerda, e Jimmy Clanton, à esquerda de Freed, e outros.


As manchetes de uma história do Boston Globe de maio de 1958 significam problemas para os shows de palco de Alan Freed.
Novembro de 1959: manchete de jornal de história sobre audiências de payola.

Em 1959, um concorrente famoso no programa de perguntas da TV Vinte e um, chamado Charles Van Doren - que se tornou uma sensação nacional por seu suposto brilhantismo no programa - admitiu mais tarde que recebeu as respostas corretas de antemão.

O Congresso teve um dia de campo com os escândalos do programa de TV & # 8220quiz & # 8221 e, em seguida, voltou-se para a indústria do rádio, onde um novo tipo de música "rock 'n roll" estridente estava sacudindo a ordem estabelecida & # 8212 e alguns pensamentos, alimentando o juvenil delinquência também.

Mas o foco principal do interesse do Congresso no negócio da música era algo chamado "pagar para tocar", em que DJs de rádio recebiam dinheiro ou outros favores de representantes da indústria musical por tocar repetidamente ou "plugando" músicas para impulsionar seus apelo e vendas. Essa prática recebeu o nome de "payola", uma contração derivada das palavras "pagamento" e "Vitrola".


Alan Freed, centro, indo para audiências a portas fechadas perante um comitê da Câmara dos Representantes dos EUA investigando "payola" no negócio de rádio americano, 25 de abril de 1960.

No início de 1960, as audiências começaram e cerca de 25 testemunhas seriam chamadas, incluindo Clark e Freed, os presidentes de várias estações de rádio maiores do país, representantes de Painel publicitário revista e outros. Freed testemunhou em uma sessão a portas fechadas em abril de 1960. Mas Freed já havia feito algumas declarações públicas que pouco o ajudaram quando ele entrou no holofote nacional: "O que eles chamam de payola no negócio do disc-jockey", dizem que ele disse em um ponto, "eles chamam de lobby em Washington".

Na época das audiências, no entanto, o payola não era crime na maioria dos estados, e muitos no setor pareciam considerá-lo uma prática aceita. Antes que tudo acabasse, o Comitê de Supervisão da Câmara dos Estados Unidos, em sessões a portas fechadas e abertas, ouviu cerca de 335 DJs de todo o país que admitiram ter recebido mais de $ 263.000 em "taxas de consultoria". Mas esse número provavelmente era baixo, já que um DJ, Phil Lind, do Chicago’s WAIT, indicou que certa vez recebeu $ 22.000 para tocar um único disco.


NY Sunday News publica matéria de primeira página sobre a demissão de Alan Freed pela rádio WABC por causa de "payola", setembro de 1960.

Outros DJs e promotores envolvidos no payola sofreram resultados semelhantes, mas muitos conseguiram passar pelo processo com apenas pequenos danos. O crescente destaque do Freed & # 8217 no cenário nacional, no entanto, fez dele um alvo principal. E, na esteira das sondagens de payola, também houve algum impacto na própria música, embora apenas temporário.

& # 8220Um dos resultados do escândalo do payola foi a mudança no rádio, & # 8221 explica John Jackson em seu livro, Big Beat Heat e # 8211 Alan Freed e os primeiros anos do Rock 'n Roll. A rádio & # 8220WINS em Nova York largou o rock 'n roll e tocou Frank Sinatra três dias seguidos. Outras estações lançaram pedras. Os DJs não podiam mais escolher as músicas e tocar o que queriam. A lista de reprodução da estação chegou. E a música ficou sem graça. & # 8221

& # 8220Boom-to-Bust & # 8221
Fortunas falidas

Alan Freed, por sua vez, tentou juntar os pedaços de sua carreira despedaçada e seguir em frente. Em 1960, após deixar Nova York, ele foi contratado pela estação de rádio KDAY de Los Angeles - uma estação de propriedade, ironicamente, da mesma empresa que era dona do WINS. Mas logo depois de começar no KDAY, Freed foi chamado de volta a Nova York quando um grande júri apresentou acusações de suborno comercial contra ele que datavam de cerca de dez anos. Em maio de 1960, ele e sete outros DJs de rádio foram presos e autuados em Manhattan, acusados ​​de receber um total de $ 116.850 em payola. O veredicto final no caso de Freed demoraria alguns anos.

De volta ao KDAY, entretanto, Freed assinou um acordo para ficar longe de payola, e ele voltou para sua personalidade de DJ e paixão musical, ajudando a apresentar novas músicas e artistas, como Kathy Young & amp the Innocents e seu futuro hit , “Mil Estrelas”. Freed também planejava continuar seus shows ao vivo na área de Los Angeles, desta vez olhando o Hollywood Bowl como um local de escolha para os shows ao vivo. A KDAY, no entanto, não permitiu que Freed promovesse ou montasse seus shows e, com isso, ele deixou a estação e voltou para Nova York. Na época, o hit de Chubby Checker, "The Twist", pegou no mercado nacional, estimulando uma nova moda da dança, e Freed apresentou um show de reviravolta ao vivo por um tempo em Nova York. Mas, à medida que a onda de raiva se desvanecia, Freed deixou Nova York e começou a trabalhar na estação de rádio WQAM em Miami, Flórida, um trabalho que durou cerca de dois meses.

Em 1962, Freed estava de volta a Nova York lidando com seu julgamento por suborno comercial. Ele acabou sendo acusado de 26 acusações de suborno comercial. Em dezembro de 1962, ele se declarou culpado de 2 acusações, recebeu uma sentença suspensa e pagou uma multa de $ 300,00. Enfrentando crescentes projetos de lei para essa luta, Freed enfrentou acusações federais de evasão de imposto de renda em 1964. Na época, ele morava em Palm Springs, Califórnia, e bebia muito. No dia de Ano Novo de 1965, ele foi internado em um hospital de Palm Springs devido a hemorragia intestinal gastrointestinal, resultante de cirrose hepática. Ele morreu vinte dias depois de insuficiência renal. Ele tinha 43 anos.


Cartaz de um filme de 1978 sobre Alan Freed e os primeiros dias do rock 'n roll, "American Hot Wax". Clique para ver o pôster.

Em 1986, Freed estava entre os homenageados originais para o Rock and Roll Hall of Fame em Cleveland - localizado lá em parte devido à influência de Freed no rock 'n roll inicial. Em 1988, ele também foi introduzido postumamente no Hall da Fama da Rádio Nacional.

Em 1991, uma "estrela" para Alan Freed foi adicionada em seu nome à Calçada da Fama de Hollywood, no mesmo ano em que a biografia de Freed de John Jackson foi publicada - Big Beat Heat: Alan Freed e os primeiros anos do Rock & amp Roll.

Em 1999, outra tentativa de filme em Freed, este para a TV, intitulado Mr. Rock N Roll: a história de Alan Freed, com Judd Gregg como Freed, recebeu uma recepção morna, mas ainda tem seguidores.

A história de Freed talvez seja melhor contada, no entanto, em AlanFreed.com, um site bem montado administrado por alguns de seus familiares sobreviventes, incluindo vários filhos e netos. O site é altamente recomendado para quem deseja ver fontes de notícias originais e outros materiais. Além dos outros prêmios e induções já mencionados, em fevereiro de 2002, Freed foi homenageado na mostra anual de prêmios Grammy com um Trustees Award, concedido a & # 8220 indivíduos que, durante suas carreiras na música, fizeram contribuições significativas, além da performance , para o campo de registro. & # 8221 E por último, mas não menos importante, o mascote do time de basquete profissional Cleveland Cavaliers é chamado de “Moondog”, em homenagem a Freed.


Edição de capa dura de 1991 da biografia de John Jackson sobre Alan Freed e os primeiros anos do rock & amp roll (400 pp), também disponível em brochura de 2007. Clique para copiar.


Filme de 2009, “Mr. Rock N Roll: The Alan Freed Story, ”estrelando: Judd Nelson como Alan Freed, junto com Paula Abdul, Madchen Amick e outros. Clique para ver o filme.

Veja também neste site, por exemplo, “Bandstand Performers, 1963 & # 8243 uma história que traça o perfil e lista alguns dos convidados musicais que apareceram no programa de dança de Dick Clark na TV 'American Bandstand' naquele ano, da Filadélfia, ou“ Elvis Riles Florida, 1955-56, & # 8221 uma história traçando o perfil de Elvis Presley em Jacksonville, Flórida, onde ele enfrentaria um mandado de prisão se “girasse” muito sugestivamente no palco. Além disso, a página de tópicos & # 8220Pop Music 1950s & # 8221 inclui links para mais de 20 histórias de músicas e artistas daquela época, e a página & # 8220Annals of Music & # 8221 oferece uma seleção mais ampla além disso.

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Data de publicação: 28 de fevereiro de 2014
Última atualização: 1 de agosto de 2019
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Citação do artigo:
Jack Doyle, “Moondog Alan Freed: 1951-1965,”
PopHistoryDig.com, 28 de fevereiro de 2014.

Fontes, links e informações adicionais


Alan Freed na rádio WAKR em Akron, Ohio, em meados da década de 1940.


História do jornal Hartford Times (CT) anunciando um show no palco de Alan Freed em janeiro de 1958.


1958: Alan Freed, passando por uma pilha de discos de 45rpm na estação de rádio WABC em Nova York.


Anúncio de pôster para um show no palco “Big Beat” de Alan Freed em 16 de abril de 1958 para o Teatro Municipal de Tulsa, OK.


Alan Freed na década de 1950, provavelmente apresentando um show ao vivo na área da cidade de Nova York, transmitido pela rádio WINS.


Marco histórico da Pensilvânia em homenagem a Alan Freed no local de seus anos de infância em Windber, PA.


8 de setembro de 1957: A partir da esquerda, Alan Freed, Larry Williams, Ben Dacosta (DJ) e Buddy Holly no NY Paramount Theatre.

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Um marco histórico de Ohio localizado fora do Rock 'n Roll Hall of Fame em Cleveland, comemora as contribuições de Alan Freed para o rock' n roll e também observa que ele foi um "homenageado" no Hall (1986).

Linha de televisão no horário nobre de 1965 - História

Na década de 1940, as três redes & # 150 NBC, CBS e ABC & # 150 eram "redes" apenas no nome. Toda a programação teve origem, ao vivo, em Nova York. A única maneira de as redes distribuírem os programas para o resto do país era apontar uma câmera de filme para uma tela de televisão e converter o vídeo em filme. Esses filmes de 16 mm, conhecidos como cinescópios, foram então duplicados e enviados para algumas estações afiliadas para serem transmitidos posteriormente. Por necessidade, a maior parte da programação era local, e programas de culinária, luta livre e desenhos animados ocupavam a maior parte do dia de transmissão.

As redes se tornaram verdadeiras redes quando a AT&T terminou de instalar um sistema de cabos coaxiais de costa a costa.Coaxial & # 150, os agora familiares cabos que vão das tomadas de TV a cabo aos sintonizadores de hoje & # 150 têm largura de banda suficiente, ou capacidade de carga elétrica, para transmitir centenas ou mesmo milhares de chamadas telefônicas, bem como sinais de televisão.

Em 1952, pela primeira vez, o noticiário da televisão pôde transmitir as convenções republicana e democrata ao vivo da Filadélfia para o resto do país. A importância desse evento para a América rural foi além do fato de que os residentes rurais sabiam em tempo real que Dwight D. Eisenhower e Adlai Stevenson estavam concorrendo à presidência um contra o outro.

  • Sinais de TV que poderiam chegar até os cantos mais remotos dos EUA quebraram os últimos vestígios de isolamento na América rural.
  • O transporte nacional comum de programas de TV populares, notícias e eventos esportivos significava que havia uma experiência nacional compartilhada. No dia seguinte a grandes eventos televisionados, os pesquisadores descobriram que quase todo mundo estava falando sobre o evento. Eles não estavam dizendo as mesmas coisas, mas havia uma sensação de diálogo nacional.
  • A experiência visual e auditiva conjunta que a televisão permitiu & # 150, especialmente após o advento da TV em cores no início dos anos 60 & # 150, significou que as diferenças culturais regionais foram eliminadas. Uma cultura "americana" mais generalizada cooptou subculturas regionais.
  • A televisão familiarizou os residentes rurais com outras regiões, tornando a migração ainda mais atraente.

Entre 1949 e 1969, o número de domicílios nos EUA com pelo menos um aparelho de TV aumentou de menos de um milhão para 44 milhões. O número de emissoras comerciais de TV aumentou de 69 para 566. O valor que os anunciantes pagaram a essas emissoras e redes passou de US $ 58 milhões para US $ 1,5 bilhão.

Entre 1959 e 1970, a porcentagem de residências nos EUA com pelo menos uma TV passou de 88% para 96%. Em 1970, havia cerca de 700 estações de televisão UHF e VHF, hoje existem 1.300. Em 1970, as estações e redes de TV arrecadaram US $ 3,6 bilhões em receitas publicitárias hoje, esse número é de mais de US $ 60 bilhões.

A programação da televisão teve um grande impacto na cultura americana e mundial. Muitos críticos apelidaram a década de 1950 como a Idade de Ouro da Televisão. Os aparelhos de TV eram caros e, portanto, o público geralmente era rico. Os programadores de televisão sabiam disso e sabiam que dramas sérios na Broadway estavam atraindo esse segmento de público. Então, os produtores começaram a encenar peças da Broadway nos estúdios de televisão. Mais tarde, autores da Broadway, como Paddy Chayefsky, Reggie Rose e J. P. Miller escreveram peças especificamente para a televisão. Suas peças e # 150 Marty, Doze Homens Irritados, e Dias de Vinho e Rosas, respectivamente & # 150 passaram a ser filmes de sucesso.

À medida que os lares com TVs se multiplicavam e se espalhavam para outros segmentos da sociedade, surgiam programas mais variados. Comédias de situação e programas de variedades eram formatos emprestados do rádio. Ex-estrelas de vaudeville como Milton Berle, Sid Caesar e Jackie Gleason encontraram o estrelato depois de anos labutando nos palcos. Ernie Kovacs foi um dos primeiros comediantes a realmente entender e explorar a tecnologia da televisão e se tornou um mestre da gagueira visual.

Durante os anos 50, os programas de perguntas e respostas tornaram-se populares até que eclodiu um escândalo. Por três anos, os produtores de "The $ 64,000 Question" forneceram a um concorrente atraente as respostas a perguntas triviais difíceis para aumentar o drama.

Durante esse tempo, muitos dos gêneros com os quais o público de hoje está familiarizado foram desenvolvidos & # 150 westerns, programas infantis, comédias de situação, comédias de esquetes, programas de jogos, dramas, notícias e programação esportiva.

Nos anos 1950 e 60, o noticiário da televisão produziu talvez algumas de suas melhores performances. Edward R. Murrow expôs as táticas de insinuações e acusações infundadas que o senador Joseph McCarthy usou para explorar o medo do comunismo no país. Os debates televisionados entre Kennedy e Nixon foram creditados por dar a JFK uma pequena vitória nas eleições.

A cobertura filmada do movimento pelos direitos civis e a cobertura ao vivo da Marcha de Martin Luther King em Washington trouxeram essas questões ao foco.

Quando o presidente Kennedy foi assassinado na sexta-feira, 22 de novembro de 1963, a maioria dos americanos ligou imediatamente os aparelhos de televisão para obter as notícias. As redes dedicaram dias e dias de transmissão à cobertura da tragédia, do funeral e das consequências. Muitos americanos (que podem ter voltado da igreja mais cedo) estavam assistindo à cobertura ao vivo na manhã de domingo, 24 de novembro, quando viram Jack Ruby matar o suposto assassino Lee Harvey Oswald.

Mais tarde, a cobertura da Guerra do Vietnã recebeu o crédito, pela primeira vez, de trazer a guerra para as salas de estar dos cidadãos. Quando o âncora da CBS News, Walter Cronkite, publicou um editorial contra a guerra, o Pres. Johnson teria dito: "Se perdi Cronkite, perdi o país". Em poucas semanas, depois de saber que havia perdido o apoio de jogadores importantes em Wall Street, Johnson decidiu não se candidatar à reeleição.

No entanto, esta também foi uma época de escapismo abundante na televisão. Os produtores adicionaram ficção científica à mistura de gêneros na TV, talvez em resposta ao programa espacial da NASA. Esta era produziu algumas das reprises mais duradouras da história da televisão. "Star Trek" é o principal exemplo.

No meio da turbulência dos anos 60, é fascinante que alguns dos programas mais populares tenham se estabelecido firmemente em um passado rural que estava desaparecendo rapidamente & # 150 se, de fato, existiu.

Em 1960, o "Andy Griffith Show" & # 150 com o xerife de uma pequena cidade, seu filho, seu vice e um elenco de personagens rurais estereotipados & # 150 foi o quarto programa mais popular da televisão. Ele permaneceu entre os dez primeiros todos os anos até alcançar o número um em 1967.

Então vieram os "Beverly Hillbillies" em 1962. A premissa era simples. O fazendeiro Jed Clampett descobre óleo em sua terra sem valor, embala a filha Elly May, o sobrinho Jethro, a vovó, todos os seus pertences e milhões de dólares e se muda para a Califórnia & # 150 em uma cena que lembrava assustadoramente fotos de Okies se mudando da época da Depressão para a Califórnia.

O show foi uma peça inspirada de bobagem, produzida por Paul Henning, um Midwesterner do Missouri que passou 30 anos em Hollywood explorando suas raízes rurais. O "Beverly Hillbillies" disparou para o número um nas classificações nos primeiros dois anos em que esteve no ar, e permaneceu entre os quinze primeiros pela maior parte do resto da década. Os críticos chamaram o show de "partes iguais de Steinbeck e absurdismo, o novo rico fora da água".

O produtor Henning seguiu com "Petticoat Junction" de 1963-70 e "Green Acres" de 1965-71. Ambos os programas provaram ser quase tão populares. As anáguas do primeiro show pertenciam às filhas loiras, morenas e ruivas & # 150 Billie Jo, Bobbie Jo e Betty Jo & # 150 de Kate Bradley, a proprietária do Shady Grove Hotel. As filhas deram aos escritores ampla oportunidade para piadas veladas de filhas de fazendeiros, enquanto o isolamento do hotel criava um meio rural que não existia mais na realidade.

"Green Acres" foi ainda mais estúpido. Um site de fãs, "Memorable TV", chama o show de "um ataque direto à lógica cartesiana, à física newtoniana e ao positivismo centrista de Harvard. Advogado Oliver Wendell Douglas (Eddie Albert) e sua esposa, socialite, Lisa (Eva Gabor) vêm para Hooterville em busca do verdejante da América e do idealismo jeffersoniano elevado. O que eles descobrem é um universo virtual paralelo de surrealismo irrestrito, repleto de porcos talentosos, ovos de galinha quadrados e bolos quentes abiogenéticos & # 150, um universo que Lisa intui imediatamente, e pelo qual Oliver fica constantemente perplexo. "

Beulah Gocke (à esquerda) foi uma entre muitos residentes rurais que apreciavam a estupidez inspirada desses programas. "Eles zombavam de nós", ela reconhece, "mas isso faz parte de uma boa personalidade, se você puder rir de si mesmo."

William Luebbe (à direita) lembra que dois de seus filhos fizeram faculdade e um fez doutorado. Os programas de TV "retratavam os fazendeiros como pessoas [pessoas] atrasadas e sem educação. Mas isso não era justo com os fazendeiros". William teve apenas dois aparelhos de televisão na vida.

Até mesmo os críticos da época reconheceram a curiosa popularidade desses programas rurais. "Alguns críticos de TV", relatou a Newsweek em 1969, "argumentam que muitos americanos recém-abastados, desnorteados pelos tecnológicos dos anos 60, se veem como caipiras desajeitados perdidos nos subúrbios."

"Petticoat Junction" foi cancelado em 1970 depois que a estrela do show, Bea Benaderet interpretando Kate, morreu de câncer. Apesar da contínua boa audiência, "Beverly Hillbillies" e "Green Acres" foram cancelados no ano seguinte, quando a CBS decidiu que precisava atrair um público mais jovem dos Baby Boomers. Em vez disso, a rede começou a produzir programas como "M * A * S * H", "All in the Family" e "The Mary Tyler Moore Show".

Escrito por Bill Ganzel, Grupo Ganzel. Publicado pela primeira vez em 2007. Uma bibliografia parcial das fontes está aqui.


Logo do início da CBS Color TV, de 1946

Logotipo oval de "texto em bloco" original da CBS

Logotipo da CBS Eye, popularmente conhecido como "CBS Eye" ou "Eyemark".

Logotipo mais antigo da CBS, com letras de fonte Serif

A CBS revelou seu logotipo do Eye Device em 17 de outubro de 1951. Antes disso, de 1940 a 1951, a CBS Television usava um holofote oval nas letras C-B-S. & # 915 & # 93 O dispositivo Eye foi concebido por William Golden com base em um símbolo hexadecimal da Pensilvânia holandesa, bem como um desenho de Shaker. (Embora comumente atribuído a Golden, há especulação de que pelo menos algum trabalho de design no símbolo pode ter sido feito por outro designer da equipe da CBS, Georg Olden, um dos primeiros afro-americanos a alcançar alguma notoriedade no campo do design gráfico do pós-guerra. ) & # 916 & # 93 O dispositivo Eye fez sua estreia na transmissão em 20 de outubro de 1951. Na temporada seguinte, enquanto Golden preparava uma nova identidade, o presidente da CBS, Frank Stanton, insistiu em manter o dispositivo Eye e usá-lo tanto quanto possível.

Um exemplo da imagem da Rede de Televisão CBS (e a distinção entre as redes de televisão e rádio) pode ser visto em um vídeo do Programa Jack Benny (sem data) que foi ao ar na rede de televisão. O vídeo parece ter sido convertido do cinescópio e "sem escopo" ou não editado. Vemos o programa quase como se o tivéssemos visto ao vivo na televisão. Don Wilson é o locutor do programa, mas também dá voz a uma promoção de "Secretária Privada", que se alternava semanalmente com Jack Benny na programação da rede de televisão. Benny continuou a aparecer no rádio e na televisão da CBS naquela época, e Wilson faz um anúncio promocional no final da transmissão do programa de rádio de Benny na rede de rádio CBS. O programa termina com o slide de identificação "CBS Television Network" (o "olho CBS" sobre um campo de nuvens com as palavras "CBS Television Network" sobrepostas ao olho). Não há, no entanto, nenhuma narração acompanhando o slide de identificação. Não está claro se foi simplesmente ausente da gravação ou se nunca foi transmitido originalmente. & # 917 e # 93

O olho da CBS é agora um ícone americano. Embora as configurações do símbolo tenham mudado, o dispositivo Eye em si não foi redesenhado em toda a sua história. Na nova identidade gráfica da rede criada pela Trollback + Company em 2006, o olho está sendo colocado em uma posição de "marca registrada" em títulos de programas, dias da semana e palavras descritivas, uma abordagem que respeita muito o valor do olho. O logotipo do olho tem sido frequentemente copiado ou emprestado por redes de televisão em todo o mundo, exemplos notáveis ​​sendo o Sistema de Radiodifusão Austríaco (ORF) que costumava usar uma versão em vermelho do logotipo do olho, Associated TeleVision no Reino Unido e Frecuencia Latina no Peru. O logotipo também é conhecido como Marca de olho, que também era o nome das divisões de sindicação doméstica e internacional da CBS de meados ao final da década de 1990, antes da aquisição da King World e da fusão da Viacom.

Década de 1980

Ao longo dos anos, a CBS desenvolveu várias campanhas de imagem notáveis ​​e vários dos slogans mais conhecidos da rede datam da década de 1980. "Reach for the Stars", de 1981, usou uma campanha com tema espacial para capitalizar tanto a melhora estelar da CBS nas avaliações quanto o histórico lançamento do ônibus espacial Columbia. "Great Moments" de 1982 justapôs cenas da programação clássica da CBS, como "I Love Lucy", com cenas dos clássicos da rede da época, como "Dallas" e "M * A * S * H". De 1983 a 1986, a CBS (agora firmemente no topo das classificações) apresentou uma campanha baseada no slogan "We Got the Touch". Os vocais para o jingle da campanha foram contribuídos por Richie Havens (1983-1984 e 1984-1985), Aaron Neville (1984-1985) e Kenny Rogers (1985-1986). A temporada de programação de 1986-1987 deu início à campanha "Compartilhe o Espírito da CBS", a primeira da rede a usar computação gráfica completa e efeitos DVE. Ao contrário da maioria das campanhas promocionais de rede, a versão completa de Share the Spirit não apenas mostrou uma breve prévia de cada nova série de outono, mas também utilizou os efeitos CGI para mapear toda a programação de outono à noite. O sucesso dessa campanha levou à campanha "CBSpirit" de 1987-1988. A maioria das promoções da CBSpirit utilizou uma procissão de clipes de show mais uma vez. No entanto, o novo motivo gráfico era uma linha azul espiralada (ou "sibilante"), que era usada para representar "o espírito". A promoção completa, como no ano anterior, tinha uma parte especial que identificava novos programas de outono, mas a cena mapeada do cronograma de outono foi abandonada.

Para a temporada de 1988-1989, a CBS revelou sua nova campanha de imagem, oficialmente conhecida como "Television You Can Feel", mas mais comumente identificada como "You Can Feel It On CBS". O objetivo era transmitir uma imagem da nova era mais sensual por meio de computação gráfica distinta e de aparência avançada e música suave, imagens de fundo e clipes de cenas e personagens emocionalmente poderosos. No entanto, foi nessa temporada que a CBS iniciou sua queda livre de audiência, a mais profunda da história da rede. A CBS encerrou a década com "Get Ready for CBS". A versão de 1989-90 foi uma campanha muito ambiciosa que tentou elevar a CBS do último lugar (entre as grandes redes), o tema eram estrelas da rede interagindo umas com as outras em um estúdio remoto, preparando-se para fotos e sessões de TV também quanto à nova temporada na CBS. A música promocional de alta energia e as práticas da campanha tiveram muitas variações em todo o país, já que cada afiliado da CBS participou dela, de acordo com um mandato da rede. Além disso, pela primeira vez na história, a CBS se tornou a primeira rede de transmissão a se unir a um varejista nacional para incentivar a audiência, com o CBS / Kmart Get Ready Giveaway.

Década de 1990

Para a temporada de 1990-1991, a campanha apresentou um novo jingle - The Temptations ofereceu uma versão alterada de seu hit "Get Ready". O início da década de 1990 apresentou campanhas nada memoráveis, com slogans simplificados como "Esta é a CBS" e "Você está na CBS". Eventualmente, o departamento de publicidade ganhou impulso novamente no final da década com Bem-vindo ao lar a uma noite da CBS (1996-1997), simplificado para Bem-vindo a casa (1997-1999) e teve sucesso com a campanha de spin-off O endereço é CBS (1999–2000).

Década de 2000

Ao longo dos anos 2000, o ressurgimento da audiência da CBS foi apoiado por sua campanha "Está tudo aqui", e sua estratégia levou, em 2005, à proclamação de que eles eram a "Rede mais assistida da América". Sua campanha mais recente, iniciada em 2006, proclama "We Are CBS".


Os 10 programas de TV mais idiotas de todos os tempos

Hoje à noite às 20h, ABC vai estrear sua nova série Splash, um show de competição de mergulho de "celebridades" em que figuras icônicas como Kendra Wilkinson, Keshia Knight Pulliam e Louie Anderson ... bem, eles fazem mergulhos, e esse é basicamente o show. Se você for como nós, pode ter recebido esta descrição com uma pergunta: "Caramba, essa é a ideia mais estúpida para um programa de televisão, de todos os tempos?" Ao que rimos e rimos e depois dizemos: "Não sei, talvez". Para ser justo, é uma competição acirrada desde o seu início, os executivos de televisão parecem constantemente desafiados a superar uns aos outros na criação de programas terrivelmente idiotas. Depois do salto, nós arredondamos dez que dão Splash uma corrida por seu dinheiro.

Talentos secretos das estrelas (2008)

Cuidado com qualquer reality show / competição com "estrelas" ou "celebridade" em seu título - a matemática simples é, se a carreira de alguém está no tipo de forma em que está fazendo um reality show / competição, provavelmente não é muito de uma estrela ou celebridade mais. Esse foi o caso desta série da CBS de 2008, com Clint Black exibindo seus dotes de stand-up, George Takei cantando uma música country, Mya sapateado, etc. O problema é que não estávamos muito interessados ​​em ver essas pessoas fazerem o que eles eram conhecido para mais - quem se importa se Sheila E. pode fazer malabarismos? Talentos secretos das estrelas foi ao ar exatamente uma vez antes de a rede cancelá-lo devido à baixa audiência.

Senhor Smith (1983)

Aqui está algo para lembrar sobre a América nos anos 70 e início dos anos 80: nós amamos macacos. E somos um povo que ama símios hoje, mas nos anos Carter / Reagan? Santo Deus! Havia os filmes de orangotango de Clint Eastwood (De qualquer maneira que você puder e Cada qual caminho, mas solto), houve a cópia dos filmes de Eastwood por Tony Danza (Macaco Indo), e depois havia os programas de TV, incluindo as três temporadas (!) B.J. e o urso e Eu e o chimpanzé. Mas nenhum deles era tão estúpido quanto Senhor Smith (nenhuma relação com o álbum LL Cool J). Esta sitcom de 13 episódios da NBC é centrada no orangotango Cha Cha, que foge de seu ato de viajar e acaba em um laboratório de pesquisa, onde bebe um soro de inteligência, desenvolve uma voz falante e QI 256 e (espere) se torna um conselheiro político. Senhor Smith foi um dos nove novos programas da linha de outono da NBC de 1983 que se tornou notório por não render um único sucesso, mas o alívio estava ao virar da esquina Senhor SmithO show runner Ed. Weinberger voltaria no outono seguinte com a série que salvaria a NBC, The Cosby Show.

Automan (1983-1984)

De seu título, Automan soa como um roubo de Cavaleiro, que estreou no ano anterior na NBC. Mas isso foi um falso, na verdade foi uma cópia de Tron, que chegou aos cinemas no verão de 1982. Esse filme nos levou ao mundo dos computadores, programadores, videogames e todos os tipos de outras coisas legais que pareciam o futuro estava acontecendo agora. O que nos leva a Automan (abreviação de "Homem Automático"), a história de um programador de computador (interpretado por Desi Arnaz Jr.) que desenvolve um programa de computador de combate ao crime de IA que é tão incrível que pode realmente sair do programa e se tornar uma pessoa real ( Chuck Wagner), embora com um estranho terno azul brilhante que não lembrava nada Tron. Automan durou apenas 12 episódios na ABC, embora sua premissa básica tenha sido aparentemente reciclada para o filme de Denzel Washington-Russell Crowe Virtuosismo 11 anos depois (em outro período de ficção científica imprudente e pesada).

A freira voadora (1967-1970)

O discurso do Oscar “você gosta de mim, você realmente gosta de mim” de Sally Field é um dos mais citados (e frequentemente parodiados) na história dessa cerimônia - tanto que é fácil esquecer o que significava. Não foi fácil para Field ser levada a sério como atriz, ela tinha muitos projetos menos que prestigiosos atrás dela, desde o Smokey e o bandido filmes para Além da aventura Poseidon para sua grande chance como TV Gidget. Mas todas essas obras empalideceram em comparação com A freira voadora, a sitcom de três temporadas da ABC em que Field interpretou Elsie Etherington, uma freira com, sim, o poder de voar. Não, o título não era algum tipo de metáfora religiosa - era realmente uma série de televisão sobre uma freira que podia voar, o que fez isso, de acordo com o livro inestimável de David Hofstede O que eles estavam pensando: os 100 eventos mais idiotas da história da televisão, “O conceito mais idiota de todos os tempos para uma série de televisão”.

Buraco na Parede (2008-2012)

Então, novamente, esse livro foi escrito quatro anos antes da estreia de Buraco na Parede, que a Fox adaptou de um game show japonês chamado Nōkabe, e mais uma vez, todo o conceito idiota está bem ali em todo o título idiota: o objetivo do jogo é os competidores se contorcerem para caber em buracos do tamanho de uma pessoa em uma parede (você sabe, o tipo de desenho animado personagens saem quando saem com pressa). Ou seja, sem brincadeira, basicamente o jogo e o show, embora existam variações como "Double Wall", "Speed ​​Wall" e "Blind Wall". Acredite ou não, os americanos não correram para a televisão para ver as pessoas se espremendo nos buracos nas paredes, e a Fox cancelou o programa depois de menos de uma temporada. Mas o Cartoon Network sabia que não devia deixar uma coisa estúpida morrer - eles pegaram o programa e o exibiram por quatro temporadas adicionais.

Homeboys do espaço sideral (1996-1997)

A comédia de ficção científica da UPN era tão burra, tão rude e fútil (mesmo para os padrões da UPN!) Que rapidamente se tornou uma piada - que durou muito mais do que a série, que morreu silenciosamente após um único episódio de 21 temporada. Foi tão estúpido quanto parece: tratava-se de um par de astronautas malucos do século 23 que voaram pelo universo em seu "Space Hoopty" ​​alado (não, sério), tendo aventuras malucas com estrelas convidadas como Gary Coleman, Casey Kasem, e (é claro) George Takei. Veja, porque eles são homeboys! No espaço!

Minha mãe o carro (1965-1966)

Você tem que dar isso a eles: quando eles vêm com uma ideia genuinamente fútil para um programa de televisão, eles pelo menos têm a cortesia de dar um título que eles acham que é simples o suficiente para os idiotas que eles almejam. Nesse caso, é a história de um advogado (Jerry Van Dyke) que compra uma calhambeque antigo, apenas para descobrir que sua falecida mãe (dublada por Ann Sothern) pode se comunicar com ele pelo rádio do carro. (Não estamos inventando isso!) O conflito é fornecido por um colecionador de automóveis vilão que deseja adquirir a mãe / carro - e pelos espectadores, que fugiram desta sitcom estúpida após uma única temporada.

Noite de sábado ao vivo com Howard Cosell (1975-1976)

Se você já se perguntou por que as repetições de Saturday Night Live (e o anúncio de abertura, até hoje) basta chamá-lo Sábado à noite, aqui está o porquê: no outono de 1975, quando SNL estreou na NBC, outro programa em uma rede rival já tinha direitos sobre esse apelido. Era uma nova série de variedades do horário nobre apresentada por Howard Cosell, o locutor esportivo de amor ou ódio que matou em Segunda à noite futebol e acertou em cheio nas entrevistas com Muhammad Ali - mas nem sua peça por peça nem suas habilidades de criação de perfil fariam qualquer pessoa em sã consciência pensar que ele era o cara certo para fazer encenações e música. Sem surpresa, o programa foi ideia do idealizador da ABC Sports, Roone Arledge, e do próprio Cosell, nenhum dos quais parecia ciente das limitações da emissora como artista. Não demorou muito para eles descobrirem que a ABC cancelou o programa depois de cinco meses, e Lorne Michaels foi capaz de mudar o título do programa logo depois disso.

Três é uma multidão (1979-1980)

Com sua sensibilidade minuciosa e amplo gosto pelo duplo sentido, Chuck Barris foi em muitos aspectos o pai do reality show moderno, embora trabalhasse principalmente no gênero game show, ele adorava lavar roupas sujas e mostrar às pessoas comuns o que há de pior. Mas mesmo Barris teve que recuar ocasionalmente, o que foi o que aconteceu com este game show sindicado que fazia a pergunta: "Quem conhece melhor um homem, sua esposa ou sua secretária?" O referido homem responderia a três perguntas (ao longo das linhas elegantes de, "Qual é a principal razão pela qual sua secretária fica sem sutiã?"), Seguido por sua secretária, seguido por sua esposa as equipes de secretárias ou esposas que obtiveram o maior número de fósforos foi o grande vencedor , enquanto os temas gerais de misoginia e adultério do programa tornavam todos os outros perdedores. Os protestos foram rápidos e intensos (até a própria secretária de Barris disse a ele as perguntas "criam reações entre as esposas e as secretárias que são absolutamente virulentas"), e a reação levou ao cancelamento não apenas de Três mas três outros de seus shows também. Mas Barris estava apenas à frente de seu tempo - esse tipo de coisa era alimento diário para gente como Jerry Springer, e com certeza, Três é uma multidão foi trazido de volta para um renascimento na Game Show Network em 2000.

The Littlest Groom (2004)

Um programa realmente precisa afundar na fossa para que até mesmo os espectadores de reality shows e executivos digam "chega", mas foi isso que aconteceu com a Fox's The Littlest Groom, que desapareceu após dois episódios. O arremesso: a Bacharel rip-off onde estava a torção (prepare-se para isso!) que o solteiro e seus supostos amores verdadeiros eram todos pessoas pequenas. No episódio dois, no entanto, eles mudaram o formato e colocaram uma dúzia de competidores de tamanho “médio” - fazendo deste um programa que não só tinha uma premissa ofensiva e estúpida, mas que era tão estúpido que não conseguia nem cumprir .

Essas são nossas escolhas para os programas mais idiotas da TV - quais são as suas? Deixe-nos saber nos comentários.


Esta comédia era sobre a disfuncional família Bundy que vivia em um subúrbio fictício de Chicago. Ele seguiu a vida de Al Bundy, um vendedor de sapatos femininos que ansiava por reviver seus dias de glória como jogador de futebol do colégio. Ele tinha uma esposa desagradável, uma filha promíscua e um filho brincalhão. O programa está incluído na lista dos 100 melhores programas de todos os tempos da Time Magazine.

Eles eram vizinhos de Archie Bunker no programa “All in the Family”. Eles tiveram um show spin off em 1975, intitulado “The Jeffersons”, que apresentava um casal afro-americano rico que vivia na cidade de Nova York. Após 11 anos, no entanto, a série foi repentinamente cancelada sem a oportunidade para os personagens encerrarem a série adequadamente.

Sammy é um magnata do mercado imobiliário, mas também é fanático por produção editorial. Tendo administrado uma equipe poderosa de produção de conteúdo no passado, ele lançou TheRichest como um projeto apaixonado.


Assista o vídeo: 100 ANOS DA EVOLUÇÃO DA TV 1920 A 2020 (Dezembro 2021).